The Ultimate Guide to Video Marketing

Il 2016 ha visto un'impennata nella popolarità del video come formato di content marketing. Il 2017 ha visto il video salire in cima alla tua lista di tattiche di marketing.

Cosa ha visto il 2018? In breve, il 2018 ha trasformato il video da una tattica di marketing singolare a un'intera strategia aziendale.

Il video come tattica era probabilmente centralizzato con il tuo team creativo come un gioco di sensibilizzazione one-to-many, con molta attenzione alla produzione costosa e poche analisi da mostrare per questo.

Il video come strategia è esattamente l'opposto. È prodotto da tutte le squadre, in un modo colloquiale, attuabile e misurabile. Il video come strategia è il futuro.

Il video è utile anche oltre l'intrattenimento. Il video nelle pagine di destinazione è in grado di aumentare i tassi di conversione dell'80% e la semplice menzione della parola "video" nella tua riga di oggetto e-mail aumenta i tassi di apertura del 19%. Il 90% dei clienti afferma anche che i video li aiutano a prendere decisioni di acquisto.

Ma il video non ha solo trasformato il modo in cui il mercato delle imprese e i consumatori acquistano; ha anche rivoluzionato il modo in cui i venditori si connettono e convertono i potenziali clienti e in che modo i team di assistenza supportano e deliziano i clienti. In breve, il video è incredibilmente utile in tutto il volano – non solo per aumentare la consapevolezza del marchio.

Il video può essere uno strumento versatile per i venditori durante l'intero percorso di acquisto dei clienti e può fare molto più che aumentare il coinvolgimento. L'analisi del back-end aiuta anche i venditori a qualificare e dare la priorità a lead freddi o non responsivi.

Le opzioni sono infinite anche per i team di assistenza: video di integrazione, video basati sulla conoscenza, video di squadra, videochiamate di supporto e storie dei clienti sono solo alcuni dei modi in cui il video può offrire un'esperienza di assistenza clienti più completa e personalizzata.

Infine, il 2018 ha determinato un debole per l'autentico e il crudo. Secondo HubSpot Research, consumatori e clienti in realtà preferiscono video di qualità inferiore, "autentici" su video di alta qualità che sembrano artificiali e non autentici. Che cosa significa questo per te? Quel video è a portata di mano per le aziende di qualsiasi dimensione: team e budget, allo stesso modo.

I 12 tipi di video di marketing

1. Video dimostrativi

Video dimostrativi mostrano come funziona il tuo prodotto, indipendentemente dal fatto che stia portando gli spettatori in un tour del tuo software e da come può essere utilizzato o disattivato e mettendo alla prova un prodotto fisico.

2. Video di marca

I video di marca vengono in genere creati come parte di una campagna pubblicitaria più ampia, in cui vengono illustrati la visione, la missione o i prodotti e i servizi di alto livello dell'azienda. L'obiettivo dei video di marca è quello di creare consapevolezza intorno alla tua azienda e di incuriosire e attirare il tuo pubblico di destinazione.

3. Video degli eventi

La tua azienda ospita una conferenza, una tavola rotonda, una raccolta di fondi o un altro tipo di evento? Produci una bobina di highlight o pubblica interessanti interviste e presentazioni dal raduno.

4. Interviste agli esperti

Catturare interviste con esperti interni o leader di pensiero nel vostro settore è un ottimo modo per creare fiducia e autorità con il vostro pubblico di destinazione. Trova gli influencer nel tuo settore, che condividano o meno il tuo punto di vista, porta queste discussioni davanti al tuo pubblico.

5. Video didattici o di istruzioni

I video didattici possono essere utilizzati per insegnare qualcosa di nuovo al tuo pubblico o per costruire le conoscenze fondamentali di cui avranno bisogno per capire meglio il tuo business e le tue soluzioni. Questi video possono anche essere utilizzati dai team di vendita e assistenza mentre lavorano con i clienti.

6. Explainer video

Questo tipo di video viene utilizzato per aiutare il pubblico a capire meglio perché ha bisogno del tuo prodotto o servizio. Molti video esplicativi si concentrano su un viaggio fittizio del personaggio principale del compratore dell'azienda che è alle prese con un problema. Questa persona risolve il problema adottando o acquistando la soluzione dell'azienda.

7. Video animati

I video animati possono essere un ottimo formato per concetti difficili da comprendere che richiedono una grafica forte o per spiegare un servizio o un prodotto astratto. Ad esempio, abbiamo creato il seguente video per promuovere un tema chiave (intangibile) dal rapporto Stato di entrata 2017.

8. Casi di studio e video di testimonianze dei clienti

I tuoi potenziali clienti vogliono sapere che il tuo prodotto può (e lo farà) risolvere il loro problema specifico. Uno dei modi migliori per provarlo è creare video di case study che contengano i tuoi clienti soddisfatti e fedeli. Queste persone sono i tuoi migliori sostenitori. Ricevili direttamente sulla videocamera descrivendo le loro sfide e in che modo la tua azienda ha contribuito a risolverli.

9. Video in diretta

Il video in diretta offre ai tuoi spettatori uno sguardo speciale dietro le quinte della tua azienda. Traccia inoltre flussi più lunghi e tassi di coinvolgimento più elevati: gli spettatori trascorrono fino a 8,1 volte di più con i video in diretta rispetto ai video on-demand. Interviste, presentazioni ed eventi dal vivo, e incoraggia gli spettatori a commentare con domande.

10. Video a 360 ° e realtà virtuale (VR)

Con i video a 360 °, gli spettatori "scorrazzano" per vedere il contenuto da ogni angolazione, come se si trovassero fisicamente all'interno del contenuto. Questo stile video sferico consente agli spettatori di sperimentare un luogo o un evento, come esplorare l'Antartide o incontrare uno squalo martello. La realtà virtuale consente agli spettatori di navigare e controllare la propria esperienza. Questi video vengono generalmente visualizzati tramite dispositivi come Oculus Rift o Google Cardboard.

11. Video di realtà aumentata (AR)

In questo video di stile, un livello digitale viene aggiunto a ciò che stai visualizzando nel mondo. Ad esempio: puoi puntare la fotocamera del telefono nel tuo salotto e AR ti consente di vedere come un divano potrebbe apparire nello spazio. L'app IKEA Place è un ottimo esempio di questo.

12. Messaggi personalizzati

Il video può essere un modo creativo per continuare una conversazione o rispondere a qualcuno tramite email o testo. Usa HubSpot Video o Loom per registrare te stesso ricamando una riunione importante o dare consigli personalizzati. Questi video creano un momento piacevole e unico per i tuoi potenziali clienti e li possono indirizzare verso la canalizzazione degli acquisti.

Il processo di creazione di video

Prima di impostare, registrare o modificare qualcosa, inizia con una conversazione sullo scopo del tuo video. Perché? Ogni decisione presa durante il processo di creazione del video rimanderà allo scopo del tuo video e a quale azione vorresti che il tuo pubblico completasse dopo averlo guardato.

E, naturalmente, senza uno scopo chiaro concordato dalla tua squadra, ti troverai in un vortice di riprese, re-framing, editing … e sprecare un sacco di tempo prezioso.

Di solito ci sono molti giocatori quando realizzi un video. Come puoi assicurarti che siano tutti allineati?

• Chi è il tuo pubblico di destinazione? Quale personaggio dell'acquirente stai prendendo di mira? Questo potrebbe essere un segmento del tipico acquirente della tua azienda.
• Qual è l'obiettivo? Aumentare la consapevolezza del marchio? Vendi più biglietti per eventi? Lancia un nuovo prodotto? In definitiva, cosa vuoi che faccia il tuo pubblico dopo aver visto il video?
• Dove andrà a vivere il video? Su Facebook? Dietro un modulo per la pagina di destinazione? Dovresti iniziare con una posizione target – dove sai che il tuo pubblico scoprirà il video – prima di riproporla per altri canali.
• Quando è dovuto? Inizia sempre con una timeline. Avrà un video su cui hai qualche mese di lavoro molto un budget e un ambito di creatività diversi rispetto a un video necessario in pochi giorni.
• Qual è il budget? video può essere costoso, ma non deve essere … se si imposta un budget. Fai la tua ricerca e imposta parametri realistici, soprattutto prima di rispondere alla domanda successiva.
• Quali sono i requisiti creativi? Con il budget, le competenze e le risorse in mente, pensa ai possibili ostacoli creativi. Hai bisogno di un designer per creare grafiche di terza inferiore? Hai intenzione di creare un video animato o un video dal vivo?
• Cosa costituirà il successo per il video? Scegli diversi indicatori di prestazioni chiave che corrispondono agli obiettivi video, oppure vai al capitolo di questa guida sulla misurazione e l'analisi dei video.

Fase uno: Scripting Your Video

C'è un tempo e un luogo in cui i video devono essere immediatamente disponibili e completamente non codificati. Hai documentari strappalacrime, slogan di vlogging e, naturalmente, il Santo Graal: video di gatti.

Detto questo, la maggior parte attività commerciale i video hanno bisogno di una sceneggiatura.

Se salti questo passaggio, ti troverai a modificare più del necessario, a pubblicare un video più a lungo di quanto dovrebbe essere e probabilmente a perdere il tuo pubblico lungo il percorso.

Inizia a scrivere il tuo script nel modo in cui avresti iniziato un post sul blog – con un contorno. Elenca i tuoi punti chiave e ordinali logicamente.

Esegui tutti i tuoi progetti in Google Documenti per promuovere la collaborazione e i commenti in tempo reale. Usa la funzione "Inserisci> Tabella" per adottare uno dei tradizionali metodi di scrittura di sceneggiature della televisione: lo script a due colonne. Scrivi il tuo audio (script) nella colonna di sinistra e inserisci idee visive corrispondenti nella colonna di destra.

Non aspettare che lo spettatore attenda fino all'ultimo secondo per capire lo scopo del tuo video … promettiamo che non si attaccheranno. Simile a un pezzo di scrittura giornalistica, include un gancio vicino all'inizio che indica lo scopo del video, in particolare per i video educativi e esplicativi.

Notate, nel nostro esempio qui sotto, che non permettiamo al pubblico di superare la seconda frase senza capire di cosa parlerà il video.

Quando inizi a creare video, noterai una differenza fondamentale tra gli script e il tipico post del blog aziendale: la lingua. La lingua dei video deve essere rilassata, chiara e colloquiale. Evitare l'uso di strutture di frasi complesse e clausole eloquenti. Invece, connettiti con il tuo pubblico scrivendo in prima persona e usando il linguaggio visivo. Mantieni la lingua concisa, ma evita il gergo e le parole d'ordine.

Seguendo l'esempio "Hack Instagram poco noti", nota come una sezione del post originale del blog potrebbe essere trasformata per il video usando meno parole e facendo affidamento sulle immagini.

• Versione blog post: "Quando qualcuno ti tagga in una foto o in un video su Instagram, viene automaticamente aggiunto al tuo profilo in "Foto di te", a meno che tu non scelga di aggiungere manualmente le foto con tag (vedi il suggerimento successivo). Per vedere i post in cui sei stato taggato, vai al tuo profilo e fai clic sull'icona della persona sotto la tua biografia. "
• Script video: "Più grande è il tuo seguito, più persone ti taggano nei loro post. Puoi trovarli tutti nella scheda "Foto di te" del tuo profilo. "

La maggior parte degli script video sono brevi … probabilmente più brevi di quanto si pensi. Tieni a portata di mano un timer per controllare la lunghezza dello script mentre scrivi e modifichi. Ad esempio, uno script di 350 parole equivale a un video lungo circa 2 minuti.

Le parole sulla carta suonano molto diversamente da come si leggono ad alta voce. Ecco perché incoraggiamo l'organizzazione a tavolo letto del tuo copione prima di iniziare le riprese. Il punto di un tavolo letto è di appianare i nodi della sceneggiatura e inchiodare i punti di inflessione.

Alcune persone (scrittore e talento inclusi) si riuniscono attorno a un tavolo con i loro laptop e leggono la sceneggiatura più volte. Se accidentalmente dici una battuta diversa da quella prescritta dalla sceneggiatura, pensa al perché e considera di cambiare la lingua per renderla più naturale.

Fase due: capire la / le videocamera / e

Troppo spesso la paura e l'incertezza delle apparecchiature impediscono alle aziende di provare il marketing video. Ma imparare a girare video non deve essere schiacciante.

È probabile che tu abbia una fotocamera fantastica e facile da usare in tasca: il tuo iPhone.

Scatto con il tuo iPhone

Prima di filmare con il tuo iPhone, assicurati che il tuo dispositivo abbia abbastanza spazio di archiviazione. Inoltre, non dimenticare di attivare la funzione Non disturbare dell'iPhone per evitare di distrarre le notifiche durante le riprese.

Una volta aperta la fotocamera dell'iPhone, capovolgere il telefono in orizzontale per creare la migliore esperienza visiva possibile. Quindi, avvicinati abbastanza al soggetto in modo da non dover utilizzare la funzione di zoom: spesso il video finale appare sfocato e sfocato.

Il tuo iPhone potrebbe fare un ottimo lavoro di messa a fuoco sul soggetto quando si scattano foto, quando si tratta di video, la fotocamera continuerà a regolare e riadattare mentre si sposta la scena. Per risolvere questo problema, bloccare l'esposizione prima si preme registrare. Tieni premuto il dito sul soggetto del video finché non viene visualizzata una casella gialla con le parole "Blocco AE / AF".

Riprese con Prosumer e fotocamere professionali

Mentre gli iPhone sono perfetti per le riprese al volo o per acclimatarsi al video, a un certo punto potresti sentirti pronto per passare al modello successivo. Con tutte le fotocamere digitali sul mercato, ci sono un sacco di scelte tra cui scegliere. Di seguito abbiamo identificato alcune opzioni per semplificare la ricerca.

La prima scelta che farai sarà tra l'acquisto di una fotocamera "prosumer" e una fotocamera professionale.

Fotocamere Prosumer sono considerati il ​​ponte tra le fotocamere compatte di base e le fotocamere più avanzate. Sono perfetti per chi è interessato a creare più video, ma vogliono l'opzione di premere semplicemente record. La maggior parte ha una lente fissa per mantenere le cose semplici.

Telecamere professionali, come i reflex digitali, ti danno un controllo preciso sulle impostazioni manuali del video di ripresa e ti permettono di ottenere la profondità di campo ridotta (sfondo sfocato) che le persone adorano. Sebbene siano principalmente utilizzate per la fotografia, le reflex digitali sono incredibilmente piccole, funzionano bene in situazioni di scarsa illuminazione e si accoppiano con una vasta gamma di obiettivi, rendendoli perfetti per i video. Tuttavia, i DSLR richiedono un certo addestramento (e ulteriori acquisti) di obiettivi.

Se sei interessato a percorrere la strada dei prosumer, dai un'occhiata alla Canon PowerShot ELPH 340. La GoPro HERO5 è un'altra opzione divertente per i tiri avventurosi con molto movimento.

Considerando le spese di una fotocamera DSLR, cerca le tue opzioni e leggi molte recensioni. Le principali opzioni di linea (dal più costoso al meno) includono Sony Alpha a7SII, Nikon D810 e Canon EOS 5D Mark III. Per una soluzione più economica, controlla Canon EOS 7D Mark II, Canon 80D, Nikon d3300 o Canon EOS Rebel T6.

Comprendere le impostazioni del manuale della fotocamera

Se scegli una DSLR, ci sono alcune impostazioni che devi capire prima delle tue prime riprese: frame rate, tempo di posa, ISO, diaframma e bilanciamento del colore. Mantieni sicuramente la tua fotocamera nelle vicinanze mentre leggi: le impostazioni manuali possono sembrare abbastanza astratte senza metterle alla prova.

Ma prima di immergerci, vogliamo sottolineare che questo è un alto livello panoramica di ogni impostazione. Se ti senti di volere di più, immergiti e fai un po 'delle tue ricerche. C'è molto da imparare su come manipolare queste impostazioni e usarle insieme per creare look diversi.

Infine, ci sarà un metodo diverso per regolare queste impostazioni in base alla tua videocamera specifica. Fare sempre riferimento al manuale di istruzioni della fotocamera.

Frequenza dei fotogrammi

Come per i concetti video, ci sono un sacco di opzioni di personalizzazione. L'opzione di personalizzazione più basilare quando si tratta di frequenza dei fotogrammi sta girando il tuo video a 24 frame al secondo (fps) o 30fps.

Gli esperti di video spesso accreditano 24 fps con un aspetto più "cinematografico", mentre 30 fps sono più comuni, specialmente per i video che devono essere proiettati o trasmessi. Una buona regola è quella di chiedere all'utente finale del video quali sono le sue preferenze e scattare in base a ciò. Quindi, assicurati che la risoluzione sia almeno 1920 x 1080 per mantenere un metraggio di qualità.

Apertura

Dopo aver impostato la frequenza dei fotogrammi e la risoluzione nelle impostazioni della fotocamera, è tempo di determinare l'apertura, la velocità dell'otturatore e ISO. Assicurati di trasformare la tua fotocamera in modalità manuale per controllare queste impostazioni.

(Mentre definiremo ognuno di questi individualmente, sappiate che queste tre variabili hanno lo scopo di lavorare in tandem tra loro.In realtà, molti fotografi usano il termine Triangolo dell'esposizione per descrivere come si relazionano alla luce e come interagisce con il telecamera.)

Apertura si riferisce alla dimensione dell'apertura nell'obiettivo. Come un occhio umano, una len si apre e si chiude per controllare la quantità di luce che raggiunge il sensore. L'apertura viene misurata in quello che viene chiamato f-stop. Più piccolo è il numero f-stop, più aperto è l'obiettivo, mentre un numero maggiore indica che l'obiettivo è più chiuso.

Che cosa significa apertura per il tuo video? Quando entra molta luce nella fotocamera (con un numero f-stop basso), ottieni un'immagine più luminosa e una bassa profondità di campo. Questo è ottimo per quando vuoi che il tuo soggetto si distingua su uno sfondo. Quando entra meno luce nella fotocamera (con un numero f-stop elevato), ottieni quella che viene chiamata profondità di campo e sei in grado di mantenere la messa a fuoco su una porzione più ampia del fotogramma.

Velocità di scatto

Capire velocità dell'otturatore, dobbiamo prima parlare di fotografia. Quando si scatta una foto, il tempo di posa si riferisce al periodo di tempo in cui il sensore della fotocamera viene esposto alla luce. Pensa a quanto lampeggia velocemente o lentamente la fotocamera.

Se hai visto una foto perfettamente sincronizzata di un colibrì apparentemente congelato nel tempo, sei stato testimone di a molto tempo di posa veloce. Nel frattempo, l'immagine di un fiume impetuoso con l'acqua che si confondeva era probabilmente scattata con una bassa velocità dell'otturatore.

La velocità dell'otturatore viene misurata in secondi o, nella maggior parte dei casi, in frazioni di secondi. Maggiore è il denominatore della frazione, maggiore è la velocità dell'otturatore. Quindi 1/1000 sarebbe più veloce di 1/30.

Ma cosa significa tempo di scatto per il video? Non andremo troppo in profondità nella scienza della velocità dell'otturatore, ma per scegliere l'impostazione adeguata, dovrai fare un po 'di matematica. Innanzitutto, moltiplica la frequenza dei fotogrammi di 2. Quindi, se stai girando a 24 fps, sarebbe 48. Questo numero diventa il denominatore della frazione di velocità dell'otturatore.

Poiché la velocità dell'otturatore è disponibile solo in pochi incrementi, devi arrotondare da 1/48 alla successiva impostazione più vicina: 1/50. Ecco alcuni tempi di posa comuni e come calcolarli:

• A 24 fps, 24 x 2 = 48, pari a un tempo di posa di 1/50
• A 30 fps, 30 x 2 = 60, pari a un tempo di posa di 1/60
• A 60fps, 60 x 2 = 120, che equivale a una velocità dell'otturatore di 1/20

Ricorda, questo processo è solo una linea guida per la scelta della velocità dell'otturatore. I tradizionalisti si attengono a questi calcoli, ma c'è sempre spazio per regolare leggermente il tempo di posa per ottenere l'effetto desiderato. Nel caso del video, le regole possono essere violate, a condizione che tu abbia una ragione sufficiente.

ISO

L'ultimo nel triangolo di esposizione è ISO. Nella fotografia digitale e nella videografia, ISO misura la sensibilità del sensore della fotocamera alla luce. Sulla tua fotocamera, vedrai le impostazioni a cui fanno riferimento numeri con centinaia o migliaia (ad esempio 200, 400, 800, 1600, ecc.).

Maggiore è il numero, più sensibile sarà la luce della tua fotocamera … più basso è il numero, meno sensibile. L'ISO influisce anche sulla granulosità dell'immagine. Gli ISO bassi producono uno scatto nitido, mentre gli ISO elevati creano uno scatto più rumoroso e granuloso.

Quando scegli una ISO, considera l'illuminazione. Se il soggetto è ben illuminato (ad esempio, se ci si trova all'esterno), è possibile ottenere con un ISO più basso, idealmente intorno a 100 o 200. Se si è al chiuso in condizioni di scarsa illuminazione, è necessario salire su gli ISO – fai attenzione a quanto è sgranato.

È qui che puoi iniziare a vedere come i tre fattori del triangolo di esposizione lavorano insieme. Quando si ha una situazione di scarsa illuminazione, ad esempio, è possibile scegliere un obiettivo che può scattare con un basso punto di arresto per far entrare più luce nella fotocamera ed evitare di rendere lo scatto troppo rumoroso con un ISO elevato.

Se hai appena iniziato con le impostazioni video manuali, non essere sopraffatto. Comprendere i dettagli del Triangolo d'Esposizione richiede tempo e molta pratica. Ecco due suggerimenti per superare la curva di apprendimento:

• Inizia con le foto. Spegnendo la fotocamera dalla modalità video, sarai in grado di vedere la relazione tra apertura, ISO e tempo di posa. Scatta una tonnellata di foto e cambia ogni impostazione in modo incrementale. Nel corso del tempo, i numeri saranno meno intimidatori e il passaggio tra le impostazioni avrà più senso e diventerà più facile da applicare ai video.
• Formare un processo. Ogni operatore video ha il proprio metodo, ma ti consigliamo di impostare la velocità dell'otturatore prima in base alla matematica descritta sopra. Quindi regolare l'apertura in base alla profondità di campo che si desidera creare. Quindi, ISO. Infine, torna al tempo di posa per qualsiasi regolazione fine.

Bilanciamento del bianco

Mentre apertura, velocità dell'otturatore e ISO possono essere i tre pilastri principali della fotografia manuale e della videografia, c'è un quarto pezzo del puzzle che è altrettanto importante: il bilanciamento del bianco.

bilanciamento del bianco indica alla tua fotocamera la temperatura del colore dell'ambiente in cui stai scattando. Diversi tipi di luce hanno colori diversi. Ad esempio, le lampadine a incandescenza (come quello che molte persone mettono in una lampada) hanno un colore molto caldo. Le luci fluorescenti (se stai leggendo questo in un ufficio, guarda in alto) sono un po 'più fredde. La luce del giorno è ancora più fresca. Prima di iniziare le riprese, devi regolare il bilanciamento del bianco della fotocamera in base alla configurazione.

Le esatte impostazioni sulla tua fotocamera dipenderanno dal tuo modello, ma probabilmente c'è un'opzione automatica, una serie di preset (luce diurna, nuvoloso, tungsteno, ecc.) E personalizzati. Evita il bilanciamento del bianco automatico a tutti i costi e opta per un predefinito o personalizzato. Se si dispone di una DSLR top-of-the-line, potrebbe anche esserci un'opzione per impostare manualmente la temperatura del colore della stanza, misurata in Kelvin.

Per aiutarti a capire l'importanza di impostare il bilanciamento del bianco, considera la differenza tra queste due foto. L'ambiente è illuminato da luci fluorescenti gialle. Puoi vedere come l'impostazione appropriata sembra naturale, mentre l'impostazione diurna aggiunge una sfumatura blu alla scena.

Messa a fuoco

La messa a fuoco non è una delle impostazioni principali dello scatto, ma è sicuramente importante tenerla a mente. Con una reflex digitale, hai la possibilità di scattare con autofocus o messa a fuoco manuale. Dipende dalla fotocamera e dall'obiettivo che hai, ma in genere l'autofocus non è il più preciso.

Piuttosto, sposta l'obiettivo sulla messa a fuoco manuale. Utilizzare i pulsanti (+) e (-) per ingrandire il mirino e spostarsi vicino al viso del soggetto. Quindi, regola la messa a fuoco sull'obiettivo. Per riprendere una configurazione fissa come un'intervista, assicurati che le ciglia del soggetto siano a fuoco – in questo modo, puoi essere certo che il tuo filmato sia chiaro e nitido.

Fase tre: impostare uno studio

Quando inizi a costruire il tuo studio in ufficio, gli acquisti possono aumentare rapidamente. Non solo hai bisogno di una fotocamera, ma più leggi, più ti rendi conto che hai bisogno di treppiedi, luci, microfoni e altro.

Prendi un respiro. Con un po 'di know-how, costruire il tuo studio non deve essere travolgente. Ci sono un sacco di scelte economiche e hack fai da te per assicurarti che i tuoi video siano al top della linea.

Attrezzatura di base

Sempre sparare con a treppiedi. Va da sé, ma il metodo del palmare che usi per la tua storia su Snapchat non lo taglierà. I treppiedi ti garantiranno di mantenere un tiro costante e di non rompere nessuna attrezzatura costosa nel processo.

I treppiedi variano enormemente nel prezzo e la qualità del tuo treppiede dovrebbe dipendere dal livello della fotocamera e dell'obiettivo che hai. Se stai scattando con il tuo telefono, puoi cavartela con un supporto da tavolo come il treppiede Arkon o un treppiede a grandezza naturale come il treppiede in alluminio Acuvar 50 ". Per una DSLR, Manfrotto produce una varietà di treppiedi affidabili a partire da Manfrotto BeFree e aumentando di qualità e prezzo da lì.

Insieme al treppiede, fai scorta batterie della fotocamera e Schede SD. La registrazione di video ti farà attraversare sia molto più rapidamente che scattare foto.

Equipaggiamento audio

Se hai iniziato a testare le funzionalità video della tua videocamera, probabilmente hai notato che ha un microfono interno per registrare l'audio … non usarlo.

Se si imposta la fotocamera a una distanza ragionevole dal soggetto, si impara rapidamente che il microfono interno non è abbastanza potente da registrare adeguatamente l'audio. Invece, dovresti iniziare a investire in alcuni pezzi di apparecchiature audio di qualità.

Quando scatti con il tuo iPhone, ci sono un sacco di opzioni per il microfono che sono tutte facili da usare e decisamente economiche. Ad esempio, il microfono per iPhone omnidirezionale Movo MA200 ti offrirà una soluzione plug-and-play per catturare l'audio al volo.

Le opinioni variano notevolmente tra i tecnici del suono sul metodo e le apparecchiature migliori per la registrazione dell'audio con una DSLR. Probabilmente hai visto molti video che usano un microfono lavalier – il piccolo pezzo che si aggancia sotto il colletto della camicia del talento. I Lavalier sono disponibili sia in modalità cablata che wireless. Tuttavia, i lavalier possono essere un po 'invadenti sia per il talento (che deve avere un filo infilato nella camicia) sia per lo spettatore (che deve vedere un microfono per l'intero video).

Invece, se sai che stai registrando in un ambiente controllato (come una sala conferenze nel tuo ufficio) ti suggeriamo di registrare con a fucile mic. Sono affidabili, rimangono fuori dallo scatto e registrano il rumore di fondo in modo naturale.

Per creare un'installazione microfonica shotgun nel tuo studio, avrai bisogno di un microfono shotgun come il Sennheiser ME66, una clip shotgun, supporto luce, cavo XLR e registratore H4N Zoom. Il registratore zoom ti consente di registrare l'audio separatamente su una scheda SD e di regolare il guadagno per l'ambiente in cui stai scattando.

Ammettiamo che questi acquisti audio possono sembrare molto. Ma una configurazione mic shotgun è un investimento degno che durerà per anni. Se stai cercando una soluzione più economica, guarda in Rode VideoMic che si monta sulla tua DSLR e si inserisce direttamente nel corpo della fotocamera.

Attrezzatura per l'illuminazione

Hai una fotocamera. Hai audio. Ora parliamo di luci.

Per vestire il tuo studio senza spendere soldi, vai al tuo negozio di articoli per la casa. Prendi le prolunghe e alcune luci a morsetto con le lampadine. Avrai anche bisogno di tre supporti luminosi, disponibili su Amazon.

La configurazione tradizionale delle luci video è nota come illuminazione a tre punti. Come puoi immaginare, coinvolge tre luci posizionate strategicamente attorno al soggetto, avvolgendole in luce e creando ombre accattivanti sul loro viso.

In primo luogo, avrai bisogno di un luce chiave. Posiziona questo angolo di 45 gradi a sinistra oa destra del soggetto. Sollevare la luce sopra la testa e puntarla verso il basso. Come suggerisce il nome, questa è la luce chiave e dovrebbe essere abbastanza luminosa da poter essere l'unica luce nella scena … se dovesse essere.

Quindi, posiziona il riempire luce con un angolo di 45 gradi sull'altro lato e sollevarlo vicino o appena sopra il livello degli occhi. Lo scopo del riempimento è di ammorbidire le ombre create dalla chiave, ma senza eliminarle completamente. Pertanto, il riempimento dovrebbe essere più debole della luce del tasto. Se è necessario utilizzare lo stesso tipo di luce per entrambi, scaricare il materiale di riempimento e diffonderlo tagliando una tenda doccia trasparente sulla luce del morsetto con le spille.

Finalmente, il controluce aggiungerà un terzo strato di dimensione. Scorri il soggetto dallo sfondo. Sollevare una luce sopra la testa del soggetto e posizionarlo dietro di loro e di lato, in modo che sia fuori dalla cornice. La luce dovrebbe essere rivolta verso la parte posteriore della testa, creando un sottile bordo di luce e separandoli dallo sfondo.

Configurazione di In-Office Studio

Ora che hai tutto il tuo equipaggiamento, sei finalmente pronto per costruire il tuo studio da ufficio. Mentre tu poteva prendi sempre un armadio per riporre la tua attrezzatura, andiamo un po 'più in grande e reclamiamo una sala conferenze.

Avendo uno studio designato, risparmierai un sacco di tempo di preparazione per ogni ripresa. Assicurati che la sala conferenze non sia troppo vuota. Se necessario, porta un divano, sedie o coperte per ridurre al minimo gli echi nella stanza.

A proposito di suono, prestare particolare attenzione al ronzio dell'aria condizionata. Trova una stanza con rumore minimo o abbassa la ventola durante la registrazione. Prendi in considerazione l'acquisto di carta fotografica per creare uno sfondo un po 'più attraente di una parete bianca della sala riunioni.

Quando arriva il momento di sparare, elimina le persone non necessarie dalla stanza e spegni le luci del soffitto. Con la tua configurazione di illuminazione a tre punti, non ci sarà bisogno di quelle lampade fluorescenti. Quando – e solo quando – tutto è pronto, chiama il tuo talento. Non c'è niente di peggio che essere nervoso, e quindi dover guardare con ansia mentre le luci si accendono e la fotocamera viene testata.

Fase quattro: preparare il tuo talento

Se hai esperienza, attori fiduciosi nella tua azienda, sei fortunato. Il video talento è una risorsa rara. Ma con un po 'di coaching (e una buona dose di risate nervose), puoi aiutare i tuoi compagni di squadra a prosperare davanti alla telecamera.

Non importa se è il tuo primo video o il tuo cinquantesimo, ricorda che arrivare davanti alla telecamera è spaventoso. Pianifica un sacco di tempo e dai presto al tuo talento la sceneggiatura, ma chiarisci che non è necessario memorizzarlo.

Invece, posiziona un laptop sotto la linea degli occhi della fotocamera. Rompi lo script in brevi paragrafi e registralo sezione per sezione fino a catturarne uno splendido. If you plan in advance when the final video will show b-roll (supplementary footage or screenshots), you can have your talent read those lines directly off the laptop like a voice over.

During the shoot, your job goes beyond pressing record. First and foremost, you need to be a coach. Balance critical feedback with support and be quick to give encouragement after each take. This is why conducting a table read during the scripting process is so important: It’s easier to give feedback when there’s not a camera in the room. Remember, be a little silly during the shoot or your talent will be on edge and uncomfortable — and it will show in the footage.

But while you’re maintaining the fun level on set, remain vigilant. It’s your job to pay attention to the little things, like making sure all of the mics are on or noticing if the lighting changes. Record each section many times and have your talent play with inflections. When you think they’ve nailed the shot … get just one more. At this point, your talent is already on a roll, and options will help tremendously during editing.

Finally, circle back to the beginning of the script at the end of your recording. Chances are your subject got more comfortable throughout the shoot. Since the beginning is often the most crucial part of the video, record that section again when they’re feeling the most confident.

Composition Basics

There are some films that are simply beautiful. It’s not the story or even the picturesque setting. In fact, the scene might take place in the dingiest of sets, but somehow each shot just feels destra.

That’s the power of composition. When objects appear where they dovrebbero in the frame, the quality of your video increases exponentially.

For video, the rules of composition are similar to what you may have learned in a photography or art class. First, consider the regole di terzi — the idea that you can create a sense of balance by imagining the canvas with two horizontal lines and two vertical lines. Key elements should occur at the intersection of these lines.

For example, if you are shooting an interview or a how-to video, the subject’s eyes should align with the top horizontal line around one of the two intersections. For this “talking head” shot, you can also improve your composition by leaving enough (but not too much) head room. This is the empty space above the person’s head.

Image Credit: Hubspot Customer Success Story Featuring Parlor Skis

One of the best ways to improve the look of your video is to include b-roll. B-roll is the supplementary footage included as a cutaway. This might include shots of a customer service rep talking on a phone, a designer editing your website, visuals of your office, or even screenshots of your product. The key with b-roll is to make sure each and every piece enhances the story.

When you’re collecting b-roll, include a mix of shots from varying angles and distances. In fact, film professionals use different names to describe these variations.

• Establishing shots: Wide shots that allow the viewer to see the entire scene. These are great to use when introducing the scene at the beginning of a video.
• Medium shots: Tighter shots that focus on the subject or a portion of the scene. Your classic interview shot could be considered a medium shot.
• Close ups: Tightly cropped shots zoomed in to show detail. These might feature someone’s hands typing on a keyboard or pouring a cup of coffee.

As practice, try telling a story with your b-roll and planning out a shot sequence. For example, your subject might open a door from the hallway, walk into their office space, sit down at their desk, open their laptop, and begin typing. Seems simple, right? But a shot sequence showing this 10 second scenario might consist of six or more different b-roll clips.

Here’s where the final lesson of composition comes in: continuità. Continuity is the process of combining shots into a sequence so that they appear to have happened at the same time and place. A key part of continuity is making sure any ancillary objects in the scene — for example, a cup of water on a desk — stay in the same place (and have the same amount of water) throughout tutti of the shots.

The other part of learning continuity is match on action. For the scene described above, you’d want to record the subject opening the door and walking in from both inside and outside the room. In post-production, you could then flip between the clips at the exact right time to make the cut seamless.

Step Five: Shooting for the Edit

When it comes to video, some are better at shooting while others are better at editing. Whatever side you claim, you should understand the process and pain points of each.

For instance, as the person behind the camera, you may believe you collect ample footage and ask all the right interview questions. But to the editor, you may actually be shooting too much of one type of shot and missing out on some that would make their job easier.

Filmmakers teach a valuable lesson here: shoot for the edit. By remembering that the footage you record will be edited later, you can make smarter decisions and save countless hours in the editing room.

The first step in adopting a shoot-for-the-edit mindset is remembering to leave a buffer at the beginning and the end of each clip. There are called handles and can save editors from the headache of cutting too close to an important shot.

In the section on preparing talent, we discussed how to record your script in short sections. If the editor were to stitch these sections together side-by-side, the subject’s face and hands might abruptly switch between clips. This is called a jump cut, and for editors, it poses an interesting challenge. Thankfully, this is where b-roll comes in handy, to mask these jump cuts.

Example of a jump cut

As a producer, your job is to capture plenty of b-roll to make sure your editor never runs out. Create a shot list of more b-roll ideas than you think you’ll need and mark them off as you record them.

To mask jump cuts, you can also shoot with two cameras, especially if you’re recording an interview without a script. Camera A would be the traditional, straight-on shot. Camera B should be angled 30 to 45-degrees to the side and capture a distinctly different shot. The editor could then flip between these two views to make the cut appear natural.

Example of switching between interview angles

A note about shooting with two cameras: Your editor will need to sync the footage between the different views. To help them do this, clap your hands loudly in the view of both cameras right before you ask the first interview question … yes, just like an old fashion clapboard. Modern editing software has auto-sync features, but this loud clap will help you initially line up the clips.

Finally, mark your good clips. Even if you’re recording a scripted video, you might have to record each section 10 or more times. Once your subject nails the take, wave your hand in front of the lens. That way, the editor can scrub directly to this visual cue and save time on footage review.

Step Six: Organizing Footage

Yes, file organization is boring. But when video editing, it just might save your project.

Capturing video will force you to take a hard look at your computer and file organization habits. If you’re one of those people who work off a cluttered desktop — you know who you are — you’ll find yourself in a world of hurt.

First, video files are incredibly large, so it’s very unlikely you’ll want to store any of them on your internal hard drive. You’ll quickly run out of storage, and your computer’s processing speed will begin lagging under the weight.

Instead, invest in an external hard drive like one of the Lacie Rugged models. External hard drives come in a variety of sizes and port options (Thunderbolt, USB 3.0, etc.). Multimedia creators will use the phrase “working off of an external” to describe storing all of their project files on this hard drive. This method also makes it easier to collaborate with teammates because you can easily share the drive.

Second, video editing programs are very particular about where you keep your files. If you don’t stick with the original file structure, you may find yourself buried in error messages. (We’ll cover software options and best practices in the next section.)

On your external hard drive, you should create a separate top-level folder for each project. Within this folder, there should be a prescribed set of “buckets” to store your video footage, audio, design assets, and more. Create a template project folder that you can copy and paste for each project using the image below as a guide.

When you import your footage from your camera, place it in the “footage” folder on your hard drive.

For both the project folders and your editing files, follow a consistent naming structure. For example, you could start each name using YRMODA (year-month-date). So a video on Instagram Hacks might be named “180625_instagram_hacks” if it was started on June 25, 2018.

Even with a perfectly organized external hard drive, you’re not yet out of the weeds. You need to backup your files (and maybe even back up your backup files). It’s not uncommon to have an external hard drive for everyday work, another external for backups, and a third set of backups in the cloud via Dropbox or Google Drive.

Step Seven: Editing and Editing Tools

Okay, you’ve filmed your video footage. Congrats — you’re halfway there!

Now it’s time to talk about editing. We get it, video editing can be confusing. It’s easy to feel overwhelmed at first, especially when you see software price tags! Luckily, there are many options for video editing based on your skill level, operating system, and budget. There are even free programs and mobile apps! Let’s go over a few options.

Intermediate: Apple iMovie

iMovie is Apple’s video editing software. Compatible with Macs and other iOS devices, iMovie is simple, user-friendly, and free on all Apple products. iMovie allows you to create and edit your videos by cutting together clips, adding titles, music, sound effects, basic color correction, filters, and special effects.

The program even provides helpful templates that simplify the editing process. The platform supports high-quality clips like 4K video footage and makes it easy to share your work directly to a video hosting platform. Limited access to advanced color correction and editing features mean it isn’t commonly used by professionals, but iMovie is still a great option if you’re just starting out.

Advanced: Adobe Premiere Pro

Adobe Premiere Pro is a leading video editing software program used by amateurs and professionals alike. With a customizable interface and numerous advanced editing tools, the platform is often called the industry standard for video editing and has been used to edit major Hollywood movies like Gone Girl and Deadpool.

Premiere makes it easy to collaborate with other editors, organize your material, and sync with other programs in the Adobe suite like After Effects and Photoshop. The platform supports high-quality footage (4K and higher) and includes advanced, built-in color correction and grading tools that set it apart from cheaper or free options like iMovie.

The only downside to Premiere is the cost. A year long subscription to the latest Premiere Pro CC comes in around $240. If you’re new to video editing, you may want to experiment with a cheaper option like iMovie or Adobe Premiere Elements before investing in the Premiere Pro. On the fence? Check out some Adobe Premiere Pro tutorials here.

Step Eight: Choosing Music

What’s the first thing that comes to mind when you think about video? I’m guessing the actual video footage. While it’s important to concentrate on your video footage, don’t forget to factor music into your overall plan and budget.

Music is a powerful tool that can alter your video’s mood and tone — just watch the videos above! Choosing the right music often makes the difference between an amateur project and a professional piece of content. When used properly, it can help keep your viewer’s attention, evoke emotions, and define your overall editing style.

Before your start filming, set a music budget and research your local copyright laws. Copyright law can be very difficult to decipher, especially when you’re dealing with digital content. Bottom line: Most music isn’t free. If you use another artist’s music without permission or proper licensing, you risk video removal and legal action. In order to avoid copyright infringement, you’ll need to find royalty free tunes or pay a composer to create an original score. Royalty free songs aren’t free to use; they’re quality songs available for a single flat fee. This means you don’t have to worry about paying additional licensing fees or royalties in the future. YouTube, Pond5, and PremiumBeat are all great sites to find royalty free music.

Next, consider your audience and the overall mood for your production. Are you targeting a small audience that will appreciate the newest, underground hip-hop track, or do you need something that will appeal to many demographics? Are you creating a practical product tutorial or an upbeat event recap? Be sure to choose music that enhances the overall tone of your video.

In addition to considering your audience, be sure to contemplate the purpose of the music. Do you need background music or something with real impact? Will you be narrating or speaking in the video? If so, don’t let the music get in the way of your content. Sometimes the best music is the music you don’t remember at all.

After you’ve determined the type of music you need, it’s time to start analyzing potential songs. Consider the song’s pacing. Songs with a steady rhythm are easy to change to suit your video style. Hoping to include your favorite, Top 40 hit? Popular, radio songs are usually structured in 4-5 parts and can be difficult to transition. Try to choose simple songs that are easy to loop. If you’re looking for an instrumental song, be sure to find something that was recorded with real instruments. Songs made with digital samples can make your video feel unprofessional and out of date.

Finally, consider adding intro and outro music. Intro and outro music, or bookends, can serve as a theme for your content. These are a great choice if you don’t need music throughout your entire video. Bookend music can help set the tone for your video, naturally split your content into chapters, and leave your viewers feeling they had a complete experience.

While some videos feel unfinished without background music, others just need a few tunes to tie the project together. Pay attention to videos that have a similar style to see how others utilize music.

Step Eight: Recording Voice Over

You have your video footage and music — now it’s time to chat about voice overs. A voice over is the separate video narration that’s not spoken by the speaker on-camera. Voice overs are an effective tool that can help make your content more relatable, emotional, and fluid.

It’s important to remember that video audio is just as important as video visuals. The good news is that you don’t have to be the next Don LaFontaine or hire a professional to record a great voice over. Below are a few tips to capture audio on a budget.

• Find a Location. Decide on a spot to record. If you can’t go to a professional studio, try to pick a quiet room away from distracting external sounds like sirens, opening and closing doors, and people talking on the phone. Read your script aloud, and pay attention to the room’s acoustics. Does your voice echo or sound muffled? If so, consider recording in a different space or adding furniture to fill in the room.
• Prepare. Practice makes perfect! Before you record, read through your script a few times and take note of any difficult pauses, transitions, and words. On the big day, be sure to stay hydrated and avoid wearing noisy clothing or jewelry. Also, use a stand, laptop, or teleprompter while recording so you aren’t rustling through a printed script.
• Test and Listen. Think you can record the perfect voice over in just one take? Think again! Invest in a good pair of headphones and keep an eye on your audio quality throughout the recording process. It’s easier to get a new take of audio than trying to fix it during the editing process. We recommend running through your script a few times, especially the first few paragraphs, to ensure that your voice is fully warmed up. If you hear popping or hissing sounds, try standing further away from the mic or invest in a pop filter.
• Relax! Be sure to read slowly, pause, and take breaks while recording your voice over. Sometimes all you need is a sip of water to get back on track.

Step Nine: Hosting Your Video

Alright, you’re ready to publish your video. You shot the footage, edited it together, added music and a voice over, and exported it for the web. The next step is to get your video online so your audience can start viewing and sharing it. You have several options for hosting videos online, and in this section, we’ll talk about some of the best ones.

Youtube

When you ask your friends which online video platform they use, the answer you probably hear the most is YouTube. YouTube is the largest video hosting platform, the second largest search platform after Google, and the third most visited website in the world. Every single day, people watch over five billion videos on YouTube. It’s also free to upload your videos to YouTube and optimize them for search.

In addition to their massive audience, YouTube offers several other features that make the platform a good option for hosting your video. Because YouTube videos are hosted on individual channels, the platform allows you to build a dedicated audience of subscribers. Users who follow your channel are more likely to see additional videos you upload.

Within your channel itself, you can also organize videos into playlists, making it easy for your audience to search within your content. As a social platform, viewers can engage with your videos by liking and commenting on them, providing you another chance to interact with your audience. YouTube also offers a variety of advertising options for more sophisticated targeting.

Although YouTube offers the benefit of reaching a large audience with no cost to upload and host videos, there are several downsides to the platform. While video ads can be a great tool for promoting your own content, the amount of ads on the platform from other advertisers can detract from your viewer’s experience.

YouTube is also (surprise, surprise!) highly addicting. Once viewers are on the platform, they usually stick around to watch another video … or 20. This can make it difficult to drive traffic back to your site from the platform. Despite these barriers, YouTube is a great platform for hosting videos and growing your audience.

Vimeo

If your friends didn’t answer your earlier question with “YouTube” then they most likely responded with Vimeo, the second largest video hosting platform. Vimeo’s audience is significantly smaller (715 million monthly views) than YouTube’s, but there are still many benefits that make it a favorite for content creators and viewers alike.

Among these are a simpler, cleaner, user interface that makes it easier to navigate the platform. Unlike YouTube, Vimeo has very limited ads and commercials that would otherwise detract from your viewers’ experience. Videos on Vimeo also tend to be higher quality than on YouTube, and the audience on the platform is likely to be more professional.

Vimeo offers several different premium account options to better suit businesses. The premium accounts provide additional storage, advanced analytics, customer support, player customization, access to lead generation tools, and much more. In additional to premium accounts, Vimeo also partners with businesses to produce quality marketing content.

If you’re looking to showcase high quality, artistic content, Vimeo might be the platform for you. Its engaged audience and beautiful aesthetic make it a great place to host creative videos. However, if you’re focused on quantity over quality and increasing your reach, you may want to explore other platform options.

Vidyard

Vidyard is a video hosting platform built specifically for businesses. It’s not just another option to store and manage your videos; instead, it allows you to become a fully video-enabled business. Here’s what we mean.

These days, we know posting your video to YouTube isn’t enough. You need channel-specific video content for Facebook and Instagram, not to mention for your website. Enter: Vidyard. The platform allows you to publish and update to all of these places from a central location.

From this portal, you’ll find all sorts of viewer insights. Discover what types of video content your audience likes and how they watch their videos. Then, channel those insights directly into your marketing automation software or CRM. For example, if that prospect you’ve been monitoring views your latest case study video, you’ll be notified straightaway.

One of coolest features of Vidyard is the ability to personalize videos with the the viewer’s name or company directly in the video design. This is a creative addition as you begin working video into your bottom-of-the-funnel marketing and sales strategies.

How to Use Video Throughout the Funnel

Too often, companies jump at the opportunity to create their first video. They spend tons of money on an explainer video for their homepage, but as soon as the project is complete, all future video ambitions screech to a halt.

On the other hand, plenty of businesses churn out a slew of social videos. But since they’ve simply replicated fads they’ve seen, their videos hardly consider their audience’s challenges or habits.

Considering the time, money, and resources involved, video marketing can’t be an impulsive guessing game. Instead, you need to create a comprehensive video marketing strategy that s the length of your marketing and sales funnel. This means thinking in the context of the inbound methodology.

Il inbound methodology is the marketing and sales approach focused on attracting customers through content and interactions that are relevant and helpful. Each video you create should acknowledge your audience’s challenges and provide a solution. Looking at the big picture, this content guides consumers through the journey of becoming aware of, evaluating, and purchasing your product or service.

In the following sections, we’ll cover the types of videos you should create for each stage. To start, plan to create at least two videos for each. Don’t forget to include call-to-actions to help lead your audience down the funnel. Over time, you can improve based on conversion rates and the content gaps you discover.

Attract

The first step of the inbound methodology is to attract — or turn strangers into visitors. Consumers at this stage are identifying their challenges and deciding whether or not they should seek out a solution. Therefore, the videos you create should empathize with their problems and introduce a possible solution in your product or service.

Ultimately, the goal of a top-of-the-funnel (TOFU) video is to expand reach and build trust. Because you are looking to garner shares for your video, it’ll likely be more entertaining and emotion-evoking than educational. But, you should should still provide enough information to associate yourself as an authority on the topic.

For any TOFU video, avoid speaking too much about your product. Instead, let your brand values and personality be your north star(s). Finally, because these videos can live on a variety of channels, keep in mind the strategies of each platform. For example, a Facebook video might have a square aspect ratio and text animations for soundless viewers.

Convert

Now that you’ve attracted video viewers and website visitors, the next step is to convert these visitors into leads. With most inbound marketing content, this means collecting some sort of contact information via a form. Video can aid this process by visualizing a solution to the buyer’s problem, whether that’s before the form on a landing page or as the offer itself. Overall, the goal of a middle-of-the-funnel (MOFU) video is to educate.

Convert videos may include a seminario web filled with tactical advice, product demos sent via email, landing page promotional videos, case studies, or more in-depth explainer and how-to videos. For example, while a TOFU video might provide a quick tip for nailing a sales pitch, a MOFU video could be an animated explainer video that breaks down the inbound sales methodology.

Vicino

You’ve attracted a new audience with your videos and converted the right visitors into leads. Now’s the time to close these leads into customers. Yet, as important as this stage is, bottom-of-the-funnel (BOFU) videos are often the most overlooked by marketers and salespeople.

At this point, the consumer is weighing their options and deciding on the purchase. Perciò, the goal of a BOFU video is to make your audience visualize themselves using your product or service — and thriving. There’s a reason 4X as many customers would rather watch a video about a product than read about it. Videos are able to display functionality and leverage emotions in ways a product description never could.

Great BOFU videos include testimonianze of customers with relatable stories, in-depth product demos, culture videos that sell viewers on your quality of service, or even personalized videos that explain exactly how your product could help their business

Delight

A purchase may have been made, but there’s still a lot video can do to leverage the post-conversion stage of your funnel. During the delight stage of the inbound methodology, your goal is to continue providing remarkable content to users in hopes that they’ll tell their connections about their experience or upsell themselves. Perciò, the goal of a “delight” video is encourage your customers to embrace your brand and become brand evangelists.

Your first opportunity to delight comes directly after the purchase. Consider sending a thank you video to welcome them into the community or an onboarding video to get them rolling with their new purchase. Then, build out a library of corsi educativi o product training videos to cater to consumers who prefer self-service or simply want to expand their expertise.

Defining Your Goals and Analyzing Results

Before launching any marketing campaign, it’s important to determine your primary video goal. This could be to increase brand awareness, engagement, or even conversions for a free trial. It’s crucial to pick out just one or two goals for each video. When you define more than that, your video will seem unfocused, making it difficult for viewers to determine what they should do next.

When thinking of your goals, be sure to keep your buyer persona and target audience in mind. How old are they? Where do they live? What are their interests? How do they typically consume media? What stage of the buyer’s journey are they in?

All of these questions can help determine what type of video you should make and where you should post it. For example, if your target audience is not familiar with your company, you probably want to make a video that focuses on brand awareness before producing an in-depth, product video. You’ll also want to host your video on a site that already has a large reach, like YouTube.

Next, let’s talk about metrics. Understanding these will equip you to define and measure your success and set your goals. When you post a video, it’s easy to get obsessed with one metric — view count. While view count can be an important metric, there are many others that may be more relevant to your campaign.

Below are some popular metrics you’ll see when you publish and track video.

• View count: View count is the number of times your video has been viewed — also referred to as reach. This metric is great to track if your goal is to increase brand awareness and have your content seen by as many people as possible. However, it’s important to remember that every video hosting platform measures a view differently. For example, a view on YouTube is 30 seconds while a view on Facebook is only 3 seconds. Be sure to read the fine print before reporting on your video view count.
• Play rate: Play rate is the percentage of people who played your video divided by the number of impressions it received. This metric helps determine how relevant or appealing your video is to your audience. If thousands of people see your video, but only a handful of people play it, it’s probably time to optimize your content.
• Social sharing and comments: If you’re on social media, you’re probably familiar with sharing and commenting. Social shares and comments are good indicators of how relevant your content is with your target audience. If a viewer watches your video and takes the time to share it with their network, you probably created a great piece of content. Social shares are also important because the more times your video is shared, the more it’ll be viewed. If your goal is to reach to reach a lot of people, social shares is good metric to track.
• Video completions: If you took the time to make a video … you probably want people to watch the whole thing, right? A video completion is the number of times a video is played in its entirety. This metric can be more reliable than view count when trying to determine your video’s success.
• Completion rate: Completion rate is the number of people who completed your video divided by the number of people who played it. Completion rate, and other engagement metrics, are a great way to gauge a viewer’s reaction to your video. Do you have a low completion rate? Are people all dropping off at a certain point? This might be a sign that your video content is not resonating with your target audience.
• Click-through rate: Click-through rate (CTR) is the number of times your call-to-action (CTA) is clicked divided by the number of times it’s viewed. CTR is a great indicator of how effective your video is at encouraging people to take your desired action. If your CTR is low, consider revising the design or copy of your CTA.
• Conversion rate: Conversion rate is the number of times visitors completed your desired action divided by the number of clicks on your CTA. If your goal is to have your viewers complete an action like signing up for a free trial, try adding a video to your landing page to see if your conversion rate increases.
• Bounce rate and time-on-page: Are you thinking about adding a video to a web page? Take note of the page bounce rate and the amount of time people spent on the page before you add the video. Be sure to check the metrics after you place the video to see if changes the way people interact with your other content.

Conclusion

I’m guessing you’re feeling a little overwhelmed right now. Don’t worry, you’re not alone. Video editing and marketing can seem daunting at first, but with a little practice and patience, you can easily produce high-quality content that is unique to your brand.

With 71% of consumers watching more video online than they were a year ago, brands can no longer ignore its growing popularity. Thankfully, creating great content has never been easier!

Try turning a written blog into a video or create a product tutorial. Using video to showcase information in a new, interesting way is sure to interest and delight your audience. Pick up a camera, start filming, and watch your engagement levels increase. It’s time to make video a key part of your marketing strategy!